Raúl Artiles (Las Palmas de Gran Canaria, 1985) vive y trabaja entre Gran Canaria y Múnich. Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna, estudios que completa en la Hochschule für Bildende Kunste de Braunschweig (Alemania). Ha participado en numerosas exposiciones colectivas: Paperwork. Spanish Contemporary Drawing, en el Today Art Museum de Pekín (2016); Archaeology Fabricated, en Junefirst Gallery, Berlín (2014); La isla ilesa, en TEA Tenerife Espacio de las Artes, Santa Cruz de Tenerife (2013); o 8.1 Distorsiones, documentos, naderias y relatos en el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) de Las Palmas de Gran Canaria (2008). En cuanto a exposiciones individuales, destacamos I Was Here en la Sala de Arte Contemporáneo de Santa Cruz de Tenerife (2019), Black Hole, en el CAAM de Las Palmas de Gran Canarias (2015) y Souvenir. Restos del naufragio, en el Ex-convento de Santo Domingo de La Laguna, Tenerife (2012).

Artiles trabaja generalmente en grandes formatos, presentando instalaciones de papeles al carboncillo con los que pretende desarticular la visión académica y decimonónica que adjudicaba al dibujo el rol de obra menor, dependiente de otras disciplinas. Las obras se despliegan en el espacio rozando lo monumental, cuestionando el modo en que nos aproximamos a las imágenes en la era digital. Los paisajes imaginarios constituyen visiones en fuga, dominadas por planteamientos catastróficos o visiones apocalípticas, no exentas de ironía, que sugieren una metáfora de la situación económica y política actual, a la vez que insinúan la posibilidad de una salida y un nuevo renacimiento.

César Barrio (Oviedo, 1971) vive y trabaja en Madrid y Lisboa. Licenciado en arquitectura por la Universidad de Navarra en 2004, ha impartido cursos y conferencias como profesor invitado en las escuelas de arquitectura de Pamplona, Zaragoza o Toledo. Entre sus últimos proyectos figuran la exposición individual Solo aquello que pasa por todas las puertas en el Pabellón de Mixtos de la Ciudadela de Pamplona (2021), la instalación Quatro paredes de água (2019), en colaboración con AC/E y el Ayuntamiento de Lisboa, y Rituales del imaginario, fruto de su estancia en 2017 en el Espacio Las catedrales de Arantzazu (Fundación Arantzazu Gaur). Recientemente ha participado en Drawing Room Lisboa (2021) y Drawin Room Madrid (2022).

Los dibujos de la serie Mesas lunares son fruto del diálogo con la obra de gran formato, estableciéndose como un diario con entidad propia. Su título proviene de la aparición de ese resto de dibujo que las conforma, y que tras muchos lavados hace surgir topografías oníricas que asemejan tanto pozos de mármol como sombras de alas mudas.

Su obra se encuentra representada en las colecciones de la Universidad de Navarra, Universidad de Toledo, Caja de Ahorros de Navarra, Fundación Arantzazu Gaur, ETSAUN. Pamplona, Asociación Fulbright, Fundación Pazo de Montecelo, Biolty, así como en colecciones privadas en España, Portugal, Francia, Italia, Austria, Brasil, México y Perú.

Sofía Jack (Figueres, 1968). Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, posteriormente amplió su formación con Gerhard Richter, Zush, Vito Acconci y Katherina Sieverding. Asimismo, ha recibido diversas becas, entre ellas las otorgadas por la Fundación Barrié de la Maza (HDK, Berlín), Unión Fenosa y la Academia de Historia, Arqueología y Bellas Artes en Roma, así como premios de la Fondazione Antonio Ratti (Italia) y del Colegio de Ingenieros de Caminos de Madrid.

A lo largo de diversos proyectos aborda la compleja e incómoda negociación entre la utopía y la realidad. En sus dibujos a carboncillo recrea lugares que encarnaron la racionalidad moderna para indagar en su reverso, y en cómo lo humano –los deseos, miedos, afectos y sentimientos– resquebraja una idea de razón y orden que se convierte en utopía. En ocasiones son soluciones imaginarias –casas-máquinas capaces de adaptarse a las necesidades de su entorno y su morador–; o bien, se trata de espacios de la arquitectura racionalista en los que desarrolla un hecho psicológico, emocional y afectivo, como espejo de nuestro relato vital personal e intransferible.

Su obra se encuentra representada, entre otras instituciones, en el Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, el CGAC, Colegio de Ingenieros de Caminos, Canales y Puertos de Madrid, INJUVE, Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, Ministerio de Asuntos Exteriores, Diputación A Coruña, Fundación la Caixa, Museo Patio Herreriano, Comunidad de Madrid o la Colección de Arte Contemporáneo de la UNED, además de en numerosas colecciones particulares.

Fernando Martín Godoy (Zaragoza, 1975), establecido en Londres, desarrolla su trabajo principalmente alrededor de la pintura para extenderse desde allí a otras disciplinas como la escultura, el dibujo o el collage. Su obra parte de la realidad –a menudo de imágenes encontradas– y de la propia historia del arte para efectuar una lectura personal del mundo, en la que el silencio, los vacíos de información o lo que acontece en las zonas oscuras de la memoria pasa a ser el centro de la escena. A menudo sus piezas muestran un pulso entre lo real y lo ficticio. Los juegos geométricos, la sutileza y la síntesis son elementos esenciales en su universo visual.

Galardonado con el Gran Premio Santa Isabel de Portugal en 2006, su trabajo se ha visto en diversas galerías de arte y en espacios institucionales como el CAB de Burgos, el Espacio Caja Madrid en Zaragoza, el CentroCentro en Madrid, el MACUF de La Coruña, el Centro Guerrero de Granada o la Fondation Suisse de París, y en ferias como ARCO, Art Fair Tokyo, Arte Lisboa, Artesantander o Drawing Room. Sus obras forman parte de colecciones privadas en España, Reino Unido, Francia, Alemania, Italia, Suiza, Japón, Hong Kong o EEUU, y están presentes en un buen número de colecciones institucionales españolas.

Pepa Mora (Madrid, 1982) vive y trabaja en Granada. Es artista, profesora e investigadora en el Departamento de Dibujo de la Universidad de Granada. Licenciada en Bellas Artes y en Historia del Arte, Doctora Internacional cum laude (España, Suiza, Francia) desde 2017 y Máster Oficial de Dibujo por la Universidad de Granada. Ha completado su formación en la Universidad Complutense de Madrid y en la Freie Universität de Berlín. Entre sus últimas exposiciones cabe destacar la participación en Ia Iberoamericana de Toro. Mujer y Artes visuales del siglo XXI (2021), o las realizadas en el Cuarto Real de Santo Domingo (Granada, 2019) y en la Cripta del Palacio de Carlos V en la Alhambra (Granada, 2020-2021). También ha estado presente en ferias como Gabinete. Feria del dibujo y de la estampa (RABASF, 2019).

La serie Alegorías del agua y la leche toma su nombre de la obra homónima de 2021. Es el resultado de su propia experiencia vital de los últimos años en los que se mezclan maternidad y pandemia. El trabajo de Pepa Mora no desecha las huellas, son el rastro imprescindible de la búsqueda siguiente, el hilo conductor de sus indagaciones, unas veces engaños que debilitan la resolución, otras veces percepciones ilusorias, otras veces conquistas en la potencia de la frecuencia con la que se manifiesta lo espiritual, protagonista de su obra, del impulso con el que dibuja. 

Eva Rodríguez Góngora (Almería, 1989) vive y trabaja en Níjar. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada, ha expuesto su trabajo en la Iberoamericana de Toro. Mujer y Artes visuales del siglo XXI (2021), en la Galería Ruíz Linares (Granada, 2019), en el Museo Carmen Thyssen Málaga (2015) o en el Palacio de los Condes de Gabia (Granada, 2012). También ha participado en ferias como Drawing Room (Madrid, 2022) o Gabinete Art Fair en Madrid (RABASF, 2019).

Eva desarrolla su trabajo principalmente a través del dibujo y de la pintura para indagar tanto en el fenómeno natural como en la ilación de los elementos significantes que contiene. Asumiendo que los patrones y fórmulas inscritas en la naturaleza participan en cualquier lance del planeta, cada pieza, que puede entenderse como el resultado de una investigación, trata de rivalizar con la óptica humana y revertir sus escalas para desactivar puntos ciegos. Dirigiendo el enfoque hacia lo pequeño, lo ignoto, lo que se olvidó o se pasó por alto, se intenta transcender los límites epistemológicos. El dibujo, como proceso y como resultado, da soporte para la concentración, la observación y la escucha. La serie Campos de fuerza es fruto de la reflexión sobre la Naturaleza en la que la artista, observando, señala la potencia de lo ínfimo y nos asoma al abismo de lo cierto. 

Vicky Uslé (Santander, 1981) vive y trabaja entre Nueva York y Cantabria. Licenciada en Bellas Artes, Rhode Island School of Design, Providence, R.I. en 2003, su trabajo entronca con la tradición pictórica que insiste en el potencial poético de la abstracción. En sus obras, sobre papel predominan dinamismo, libertad, fluidez y ligereza, combinando técnicas, lenguajes formales y colorido. En esta nueva serie denominada Pontocho, encontramos imágenes construidas mediante trazos de pastel combinados con formas modulares (o arquitectónicas) fruto del collage. Paisajes siempre subjetivos, abiertos y desconocidos, en los que domina la apacibilidad y el equilibrio de una remembranza, que esta vez nos dirige a la ciudad nipona de Kamo y sus alrededores.

Algunas de sus obras se pueden ver en las siguientes colecciones institucionales: Museo Reina Sofía, Madrid; Museo MAS, Santander; Fundación Caja Madrid, Madrid; Fundación Cañada Blanch, Valencia; “Colección Norte”, Consejería de Cultura de Cantabria, Cantabria; Colección Navacerrada, Madrid; CAC Málaga, Malaga; Museo de Pamplona, Navarra; Colección Banco Central Europeo, Frankfurt; Colección Los Bragales, Cantabria y Colección Simon de Pury de Phillips, NY.