Raquel Serrano (Huelva, 1995) licenciada en Bellas Artes y Máster en Arte: Idea y Producción, donde recibió el Premio Extraordinario Fin de Estudios de la Universidad de Sevilla. Actualmente es Profesora Interina Sustituta del Departamento de Dibujo, doctoranda en el Programa de Arte y Patrimonio e investigadora del grupo HUM822: Diseño Gráfico y Creación Digital de la Universidad de Sevilla. En 2022, amplió su formación con una estancia de investigación artística en la Universidad de las Artes de Londres.

Su obra se ha presentado en exposiciones individuales en Espacio Laraña, DiGallery, ArteSantander y, más recientemente, en el Centro Párraga en 2024. En 2019, fue seleccionada para el congreso "A Secas, Artistas Andaluces del Ahora" organizado por el CAAC, y en 2020 participó en la residencia "Encuentros de Arte" en Genalguacil. Ha participado en el Congreso Internacional de Artes Gráficas Emergentes, OPEN PORTFOLIO, FIG BILBAO 2019, y en ferias internacionales como ARCOmadrid, en el stand del Museo del Pueblo de Genalguacil en 2021 y 2022 con la Diputación de Huelva, así como en la feria Estampa en 2021 y 2022 con DiGallery. En 2023, recibió la beca INICIARTE, donde realizó un proyecto individual para la Casa de Porras de Granada. Sus obras se encuentran en la colección del CAAC y el MAC de Genalguacil.

El proyecto de investigación que ha desarrollado en los últimos años se centra en la relación entre las imágenes y los diversos modos de percepción visual. Su fascinación reside en explorar cómo se crean y reproducen las imágenes, así como en contemplar la realidad desde la amplia gama de perspectivas que ofrecen los medios visuales.

Con el objetivo de desentrañar las tensiones inherentes entre la realidad y su representación, su práctica se desarrolla a través de la experimentación en el ámbito del arte gráfico. Esta disciplina le brinda la libertad de trabajar con múltiples técnicas, herramientas y materiales, lo que le permite abordar las propiedades físicas de las imágenes, considerándolas no solo como representaciones visuales, sino como objetos con una presencia tangible y significativa en sí mismos. Son imágenes que habitan el espacio.

Su proceso creativo implica una transformación constante de la imagen mediante procedimientos como la repetición, la fragmentación y la impresión, con un enfoque en el detalle y la forma. Cada elemento contribuye a una experiencia visual multidimensional, desafiando al espectador a cuestionar su relación con lo observado.

Actualmente, su investigación se centra en la simulación, el trampantojo y la interacción entre realidad y ficción, abriendo espacios para nuevos mundos y nuevas imágenes.

Gen Isoe (Madrid, 1988). Artista nacido en España pero de origen japonés que actualmente vive y trabaja en Madrid. Su obra se desarrolla fundamentalmente en el ámbito de la pintura y el dibujo. Realizó sus estudios universitarios en el campo de las Artes Sociales de la Gestión Política ("Arts in Policy Management", Kwansei-Gakuin University, Kobe, 2008 – 2012), regresando en el año 2014 a su ciudad natal para dedicarse a la creación artística. Su trabajo se basa en la descripción y el reconocimiento, no busca realizar una copia perfecta de la realidad, sino que la toma sencillamente como una referencia. Se sitúa como testigo y no puede ignorar que la percepción de un ser vivo implica una posición, una capacidad, un conocimiento, un movimiento... y, por tanto, existe una distorsión implícita en su observación. Su obra nace de un proceso cognitivo centrado en una descripción minuciosa que busca sintetizar en una imagen lo que él, como individuo concreto, es capaz de percibir, mostrando un fuerte interés en el ámbito del existencialismo.

Su obra ha sido exhibida en diferentes galerías de Madrid y ha participado en numerosos certámenes nacionales e internacionales, siendo seleccionado para diversas exposiciones y habiendo obtenido menciones y galardones por su trabajo, entre los que cabe destacar el primer premio recibido en el LXI Concurso Internacional de Dibujo de la Fundación Ynglada-Guillot (Barcelona, 2024).

Altea Grau es una artista e investigadora que vive y trabaja en Londres. En 2020 se doctoró en Bellas Artes por la Chelsea School of Art (University of the Arts London) becada por la misma universidad y por la Fundación Dávalos Fletcher. Posteriormente, realizó un programa de Postdoctorado en la University for the Creative Arts, Canterbury (Kent, UK) y actualmente combina su práctica artística con la docencia de Bellas Artes en la Slade School of Fine Art y en Goldsmiths University London. 

La obra de Altea Grau explora las confluencias entre diferentes lenguajes poéticos. A través de ideas ligadas íntimamente al concepto de libro, como la dualidad, el eco, el reflejo y la noción de pliego, la artista desarrolla un discurso propio donde la noción de página se extiende convirtiéndose en un espacio expandido. Altea explora el significado que surge de nuestra interacción con un lenguaje que puede ser visual, espacial o material evocando connotaciones y sensaciones asociadas con el formato dual de las obras. Un espacio donde la materialidad de la imagen, el texto, la tinta y el papel coexisten, desafiando y desenmascarando los procesos comunicativos convencionales. 

Grau ha obtenido diferentes premios internacionales, incluyendo el Elephant Trust Grant y ha sido seleccionada para exposiciones como la Royal Academy Summer Exhibition, Trinity Drawing Prize o la Woolwich International Print Fair.. Su trabajo ha sido adquirido por diferentes instituciones como la Tate Modern Special Collection, Chelsea Library Special Collection, V&A Art Library Londres, Colección DKV, Colección Harold Berg, Colección Faber Birren, la Generalitat Valenciana y la Diputació de Castelló. 

Bartolomé Rey (Pinilla de los Barruecos, 1964) estudió dibujo en la Academia del Consulado del Mar de Burgos. Desde 1988, año en que inauguró su primera exposición individual, ha participado en diversas muestras individuales y colectivas en galerías de España, Francia, Portugal, Estados Unidos, Alemania y China, así como en ferias de arte nacionales e internacionales como Artcologne (Colonia), Artesantander y Artsevilla. En la serie Cosas que pasan, iniciada en 2020, el autor explora los límites de la ensoñación. La realidad entendida como pretexto, a partir del cual cimentar la elaboración de sensaciones e interpretaciones paradójicamente subjetivas.

Sofía Jack (Figueres, 1968). Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, posteriormente amplió su formación con Gerhard Richter, Zush, Vito Acconci y Katherina Sieverding. Asimismo, ha recibido diversas becas, entre ellas las otorgadas por la Fundación Barrié de la Maza (HDK, Berlín), Unión Fenosa y la Academia de Historia, Arqueología y Bellas Artes en Roma, así como premios de la Fondazione Antonio Ratti (Italia) y del Colegio de Ingenieros de Caminos de Madrid.

A lo largo de diversos proyectos aborda la compleja e incómoda negociación entre la utopía y la realidad. En sus dibujos a carboncillo recrea lugares que encarnaron la racionalidad moderna para indagar en su reverso, y en cómo lo humano –los deseos, miedos, afectos y sentimientos– resquebraja una idea de razón y orden que se convierte en utopía. En ocasiones son soluciones imaginarias –casas-máquinas capaces de adaptarse a las necesidades de su entorno y su morador–; o bien, se trata de espacios de la arquitectura racionalista en los que desarrolla un hecho psicológico, emocional y afectivo, como espejo de nuestro relato vital personal e intransferible.

Su obra se encuentra representada, entre otras instituciones, en el Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, el CGAC, Colegio de Ingenieros de Caminos, Canales y Puertos de Madrid, INJUVE, Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, Ministerio de Asuntos Exteriores, Diputación A Coruña, Fundación la Caixa, Museo Patio Herreriano, Comunidad de Madrid o la Colección de Arte Contemporáneo de la UNED, además de en numerosas colecciones particulares.

Manuela Tabarés (Madrid, 2000). Graduada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, Manuela vive en Praga becada por la FMM para profesionalizarse en la escuela británica Prague College y desarrollar su maestría. Residente becada por la Jacaranda (septiembre de 2022) y por la comisión de la residencia colectiva itinerante 3x3=6 (julio 2023). Ha recibido formación más allá del círculo universitario, como en la escuela especializada en joyería de Alejandro Chamorro (septiembre 2021-julio 23) o en el taller de dibujo de cuatro meses impartido por el artista Raúl Domínguez (Bilbao 2021). También ha participado dos años consecutivos en la V y VI Edición de la Escuela Superior de Pintura de Paisaje “José Carralero” (julio 2022 y 2023). Durante su estudio del grado ha colaborado en varias exposiciones colectivas como Anatomopoeia. La enseñanza de la anatomía artística en el siglo XXI, celebrada en Ávila en las salas del Palacio de Los Serrano de la Fundación Caja Ávila (julio de 2022) y cuenta con varias piezas en el depósito de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Dibujo y Grabado.

Estos últimos años también se ha dedicado a la enseñanza. Entre sus programas de docencia encontramos Joyería: dibujar en el espacio instrumentos musicales y Consciencias plásticas, en el marco del programa Acerca, en Bamako (Mali, mayo 2023), en el National Institute of Arts (INA).

El trabajo de Manuela está íntimamente ligado al dibujo; a la representación espacial y sonora. Forma parte de su práctica diaria y le sirve como soporte para estructurar el pensamiento abstracto.

Foto retrato © Dragan Dragin. 

Fernando Martín Godoy (Zaragoza, 1975), establecido en Londres, desarrolla su trabajo principalmente alrededor de la pintura para extenderse desde allí a otras disciplinas como la escultura, el dibujo o el collage. Su obra parte de la realidad –a menudo de imágenes encontradas– y de la propia historia del arte para efectuar una lectura personal del mundo, en la que el silencio, los vacíos de información o lo que acontece en las zonas oscuras de la memoria pasa a ser el centro de la escena. A menudo sus piezas muestran un pulso entre lo real y lo ficticio. Los juegos geométricos, la sutileza y la síntesis son elementos esenciales en su universo visual.

Galardonado con el Gran Premio Santa Isabel de Portugal en 2006, su trabajo se ha visto en diversas galerías de arte y en espacios institucionales como el CAB de Burgos, el Espacio Caja Madrid en Zaragoza, el CentroCentro en Madrid, el MACUF de La Coruña, el Centro Guerrero de Granada o la Fondation Suisse de París, y en ferias como ARCO, Art Fair Tokyo, Arte Lisboa, Artesantander o Drawing Room. Sus obras forman parte de colecciones privadas en España, Reino Unido, Francia, Alemania, Italia, Suiza, Japón, Hong Kong o EEUU, y están presentes en un buen número de colecciones institucionales españolas.